В 20-е гг. ХХ века в европейском и американском искусстве возникло такое художественное направление как сюрреализм. Французский писатель и поэт, основоположник сюрреализма Андре Бретон писал: «Сюрреализм представляет собой чистый психологический автоматизм с помощью которого - словами, рисунками или другим способом - делается попытка выразить действительное выражение мысли». Это художественное течение просуществовало с 1924 по 1969 год.
Изначально сюрреализм возник в литературе. Первым сочинением этого направления считается книга А. Бретона и Ф. Супо «Магнитные поля», а в 1924 году был опубликован «Первый манифест сюрреалистов». В 1925 году состоялась первая выставка художников-сюрреалистов (П. Клее, М. Эрнста, Х. Миро и П. Пикассо). Художников этого направления привлекали различные виды патологии, внутренний мир душевнобольных, крайние психические состояния (галлюцинации, нервные срывы), сны и т.п. Особое влияние на художников этого направления оказывало «Учение о бессознательном» З. Фрейда.
Среди приемов художественного творчества сюрреалистов выделяют:
· Соединение несоединяемого - сочетание предметов, между которыми не существует логической связи; метаморфозы-превращения предметов;
· Прием автоматического письма - натирание бумаги, лежащей на полу графитом (при этом на листе образовывался оттиск паркета, имеющий интересные сочетания линий, от слова «фроттаж» - натирание), копчение (при этом на бумаге оставались следы от копоти свечи);
· Параноико-критический метод - соединение бреда с критическим элементом, направленным на его конкретизацию. Этот метод был предложен Сальвадором Дали в 30-е годы. Этот художник применял столкновение несовместимых реальностей, соединение несочетаемого, просвечивание одних предметов через другие. Во второй половине 40-х годов Дали увлекается атомной физикой. В последние годы жизни художник интересовался стереоскопической фотографией.
Большое разнообразие направлений предоставляет нам вторая половина ХХ века. В изобразительном искусстве этого времени возникают: абстракционизм, поп-арт, минимализм, концептуализм, перформанс, боди-арт, лэнд-арт. В 50-е годы в американском авангардном изобразительном искусстве возникло художественное направление - абстрактный экспрессионизм (абстракционизм). Абстракционизм (от лат. - отвлеченный) - направление в искусстве ХХ века, в котором произведение основано на таких элементов, как линия, цветовое пятно, отвлеченная конфигурация. Так, художник Джексон Поллак создавал свои картины, расстилая на полу огромные холсты и выливая на них краску из продырявленных ведер, затем размывая краску швабрами, руками.
Выделяют геометрическую абстракцию, которая основана на построении правильных очертаний, состоящих из геометрических фигур (К. Малевич) и лирическую абстракцию, в которой композиция состоит из свободных форм (В. Кандинский). В послевоенном абстракционизме существовало течение, в котором картины создавались быстрыми, не фиксируемыми сознанием движениями руки. Такое направление было названо «ташизм» (от фр. - пятно). Среди представителей ташизма - Ж. Матье, Х. Хартунг, П. Сулаж.
Авангардное искусство второй половины ХХ века отражает отчаяние, горечь от пережитых ужасов войны. Так художник Жан Фотрие эстетизировал разлагающиеся трупы, изображая их в своей серии «Заложники».
В начале 60-х годов возникает такое направление в постмодернистском искусстве как поп-арт. Художники этого направления черпали образы для создания картин из коммерческих средств массовой информации. Для поп-арта характерна массовизация творческого процесса, работа в бригадах. Основателями поп-арта считаются: Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс. Раушенберг создавал картины в манере абстракционизма, но дополнял их вставками (наклейками, буквами и цифрами, фотографиям и др.). В искусстве поп-арта исключался личный замысел художника, картины сводились к простой комбинации готовых элементов. Джонс стремился к опредмечиванию живописи. В своих картинах он изображал точные копии предметов, уравнивая изображение объектов с самими объектами (серия картин «Американские флаги», «Пивные банки»). Художники поп-арта изготавливали рисунки для иллюстрированных журналов, расписывали рекламные щиты, картинки комиксов, карикатуры.
В 1960-м году в Париже возник «новый реализм». Основоположник этого направления - Ив Кляйн, который был художником-самоучкой. Он устраивал выставки пустых стен в галереях, куда приглашал светскую публику, на глазах у зрителей Кляйн отпечатывал силуэты натурщиц на холстах, покрытых синей краской.
В конце 50-х годов распространение получает явление «хэппенинг» (от англ. - происходить). Хэппенинги представляли собой представление, разыгрываемое в городской среде, в которое могут вовлекаться случайные люди. Это действие происходило без сюжета и плана.
На смену «хэппенингу» пришли «перформансы» (искусство действия). В перформансах зрители более пассивны, а представление заключается в разрушении готовых произведений на глазах у публики.
Наряду с вышеизложенными во второй половине ХХ века существовали такие направления как «концептуализм», «лэнд-арт», «оп-арт», «видео-арт», «боди-арт» и другие.
В 60-е годы в авангардном искусстве возникло направление «концептуализм». Противостоя массовому коммерческому искусству, концептуализм был нацелен на поиски смысла. Для создания произведений использовались системы знаков: таблицы, знаки и символы, обрывки текста, формулы, чертежи и т.п. Зачастую к выполненным картинам прилагалась инструкция, поясняющая замысел. Художники выставляли в галереях объекты, которые менялись на глазах у зрителей, при этом автор был комментатором. Среди художников этого направления можно выделить Д. Берджи, Ж. Диббетса, Йоко Оно.
Лэнд-арт был нацелен на создание произведений искусства на основе природного ландшафта. Художники создавали инсталляции (установки, пространственные композиции) из природных материалов на поверхности земли или воды. Для оп-арта (оптическое искусство) характерно создание оптических ребусов, иллюзий. Художники направления «Боди-арт» создавали картины на телах людей. При этом тело являлось объектом творчества.
Авангард в русском изобразительном искусстве
Течения русского авангарда в изобразительном искусстве стоит рассмотреть отдельно. Русские художники ХХ века избрали основополагающим для своих полотен принцип открытости, ратовали за выход искусства в космос, бытие, жизнь. Как и западные художники-авангардисты, русские склонялись к синтезу различных видов искусств.
Прежде всего, русский авангард связан с художественным объединением «Бубновый валет», образовавшимся после прошедшей в 1910 году выставки с одноименным названием. При этом название объединения трактовалось как «мошенник», «преступник». Художественный стиль этого направления сочетал в себе черты фовизма, кубизма и традиционного народного искусства. Обращение бубнововалетцев к традиционному народному искусству заключается в использовании ими элементов городского фольклора: лубок, росписи подносов, вывески.
Основные жанры, в которых писали бубнововалетцы - это натюрморты, портреты и пейзажи. Объединение организовывало художественные выставки, на которых, кроме собственных, демонстрировались работы В. Кандинского, Ж. Брака, А. Маттиса, П. Пикассо, объединения «Мост» и др. Одним из организаторов «Бубнового валета» был Михаил Ларионов. Он обучался в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у таких мастеров, как В. Серов и И. Левитан. Ларионов был человеком очень неспокойного нрава, из-за неприятия методов обучения в академии он трижды был исключен из неё. В училище состоялось знакомство Ларионова с его будущей женой - Натальей Гончаровой. В 1910 году Михаил Ларионов становится одним из основателей сообщества «Бубновый валет», но вскоре из-за несогласия с ведущими художниками он выходит из объединения. В 1912 году он вместе с супругой и К. Малевичем организует выставку с провокационным названием «Ослиный хвост». Объединение «Бубновый валет» просуществовало недолго.
Другая часть мастеров-бубнововалетцев (П.П. Кончаловский, А.В. Лентулов, Р.Р. Фальк, И.И. Машков) вступила в объединение «Мир искусства».
Как в русском, так и в европейском изобразительном искусстве существовала тенденция к обновлению языка искусства посредством возвращения к его истокам. Это повлекло за собой возникновение такого направления как «примитивизм». С.М. Петкова трактует примитивизм как направление в изобразительном искусстве конца XIX - начала XX века, для которого характерно сознательное упрощение художественных образов и выразительных средств, ориентация на формы первобытного и традиционного искусства. В своем творчестве художники-примитивисты, среди которых Павел Кузнецов и Мартирос Сарьян, обращались к восточным мифам.
Следующее направление - супрематизм - связано с творчеством Казимира Малевича. В своих полотнах Малевич изображает беспредметные композиции с минимальным использованием красок и форм. К. Малевич конструировал свои картины при помощи линейки и циркуля. «Икона» (как её называл сам автор) творчества Малевича - это «Черный квадрат». В этом полотне художник представил мир как бестелесную и внеличную энергию. В наше время работы Малевича хранятся во многих музеях современного искусства.
В 1910-х годах в изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне возникает направление «конструктивизм». Родоначальником конструктивизма считается Владимир Татлин. Его увлечение авангардными веяниями связано со сближением с членами объединения «Бубновый валет» - Ларионовым и Гончаровой. Символом конструктивистского авангардного искусства становится созданный по проекту Татлина памятник III Коммунистическому Интернационалу.
Выдающийся художник русского авангарда Василий Васильевич Кандинский (1866 - 1944) является основоположников беспредметного (абстрактного) искусства. Основной жанр, в котором писал Кандинский - это «импровизации». В своих «импровизациях» художник распределял геометрические объекты (элементы города) по всему холсту, при этом главный выразительный смысл отдавался колориту и цветовому сочетанию отдельных объектов.
В литературе начальный этап становления авангарда связан с направлением футуризм (В.В. Маяковский, В. Хлебников), для которых характерен отказ от синтаксиса и аграмматизм (т.е. нарушение грамматики). В 1910-е годы формируются такие течения, как австро-немецкий экспрессионизм (Ф. Кафка, Л. Франк), отражающий крайние состояния человеческой психики (галлюцинации, фобии и т.п.); немецкий и французский дадаизм.
В первые десятилетия ХХ века литературный
авангард выполнял задачу обновления художественного языка. На фоне этого
формировались новые радикальные литературные течения, например, конструктивизм
в России и имажизм и вортицизм в Англии. В 20-е годы возникают такие течения,
как «театр абсурда», «конкретная поэзия» на Западе (Р. Дёль «Яблоко с
червяком»)
.3 Авангард в музыкальном искусстве
Авангардистские веяния нашли отражение и в музыкальном искусстве. Музыка ХХ века была ориентирована на коренное обновление музыкального языка, отрицание традиций эпохи романтизма. Немецкий композитор, дирижер, пианист и педагог Макс Регер, размышляя о статье Гуго Римана «Упадок и возрождение музыки» (1908), приводит цитату, в которой, по мнению Римана, содержится основное требование к музыканту ХХ века:
«Если хочешь быть замечен элитой музыкального мира, то избегай простоты и старайся привлечь к себе внимание преувеличениями разного рода, трудностями для прочтения, техническими трудностями исполнения, увеличением оркестрового аппарата, нагромождением одновременно звучащих, перекрещивающихся и запутанных мелодических линий, сплавленных воедино гармоний, с добавлением, где только возможно, сверхмодной и экстравагантной продукции поэтического искусства или живописи».
Регер соглашается с высказыванием Римана и, кроме того, добавляет, что это требование относится не только к композитору ХХ века, но и характерно для творца любого времени (в пример Регер приводит творчество И.С. Баха, Бетховена, Брамса).
Исследователи данного периода в истории музыки, в том числе, Ю.Н. Холопов, выделяют две волны в становлении музыкального авангарда. Первая волна охватывает период 1910-е-1920-е годы («новая музыка»), вторая волна - период после Второй мировой войны («новейшая музыка»).
Музыкальный авангард на стадии своего становления (I волна), в отличие от авангарда в литературе и в живописи, представляет собой менее целостное и оформленное явление. Творившие одновременно композиторы-авангардисты в большинстве своём не образовали какого-либо единого стилевого направления. Каждый композитор был отмечен индивидуальностью и представлял собой самостоятельную фигуру.
Такая тенденция к индивидуализации стиля композиторов создала музыковедам трудность при классификации и отнесении композиторов к какому-либо течению. Прежде всего, авангард 1910-1920-х годов связан с экспериментами в области музыкального языка, тональности, с поиском новых приёмов музыкальной выразительности.
Одна из центральных новаций первой волны авангарда - «атональность», связанная с отказом от тональности. Неподготовленный слушатель может воспринять «атональную» музыку как какофонию, набор звуков. Существует мнение, что атональность появилась как результат вагнеровского хроматизма. По мнению Дариуса Мийо, атональность предоставляет широкие возможности для творческого воображения и фантазии композитора, обогащает его средства письма, дают ему более сложную гамму выразительности.
Идея отказа от тональности получила свое развитие в творчестве композиторов «Новой венской школы» во главе с Арнольдом Шёнбергом. Им был предложен метод сочинения музыки, базирующийся на двенадцатиступенном звукоряде, в котором каждая ступень самостоятельна, при этом звуки полутоновой гаммы расположены в определенном автором распорядке, образующем композиционную единицу - «серию». Такая двенадцатитоновая серийная музыка получила название «додекафония».
Несмотря на то, что Шёнберг исходил из принципа атональности, он критически относился к данному термину, отвергал его в своём «Учении о гармонии», предпочитая заменять «атональность» термином «пантонализм» (всетонализм).
Тематическая конструкция - серия - могла занимать как горизонтальное положение, так и вертикальное - звуковой комплекс или аккорд. Шёнберг указывал на то, что при отказе от тональности гармония имеет побочную роль, при этом после любого аккорда может следовать любой аккорд. Не отрицал Шёнберг и использования «тональных» гармоний.
В дальнейшем идею додекафонной техники развивали ученики Шёнберга - Антон Веберн и Альбан Берг. А. Веберн видел предпосылки для отказа от тональности в творчестве И.С. Баха, а именно в «Искусстве фуги», где композитор часто обращается к подмене тональности, что является важным в додекафонной композиции. В период раннего авангарда происходило переосмысление звука, различные эксперименты над ним, рассматривались свойства звука. В результате возникла тенденция деления звука на микротоны. «Мы разделили октаву на двенадцать равностоящих друг от друга ступеней…и устроили наши инструменты так, что никогда не можем очутиться ни выше, ни ниже, ни между этих ступеней… А природа создала бесконечность градаций - бесконечность!», - писал итальянский композитор Ферручо Бузони в своей брошюре «Эскиз новой эстетики музыкального искусства».